Que sea siempre tu elección. Sí, yo te recomiendo verla pero antes del amor, después puede resultar un poco gris y triste.
La biopic de Fito Páez junto a la cuestión de la Inteligencia Artificial aparecen como los grandes temas que les argentines tenemos para hablar y discutir, total la inflación va a seguir y las elecciones están lejos.
Depende el grado de ansiedad y cómo domines tu tiempo, claro, podés verla por episodio o hacer la gran “omitir intro” y darle hasta agotarla.
Calculá que es una historia que va jugando con dos momentos, y probablemente Vos seas ajeno a ambos.
La historia repasa desde el nacimiento de Fito, en 1963, hasta su álbum El Amor Después del Amor, el disco más vendido del rock nacional en la historia, pero además un antes y un después de este talentoso rosarino.
Lleva en su valija esta obra y ahora que se cumplen 30 años, ¡una eternidad!, la anda presentando por todos lados, rememorando aquellos buenos tiempos, eso en la vida de piel y perfumes, en la otra, en la digital, Netflix tomó parte de su biografía (auto, parte publicada por Planeta en 2022) y la hizo serie.
Develar lo que ocurre es entre mala onda e imposible, porque es una historia conocida, no ficcionada, y con tramos textuales de su historia.
Espero que no te tenga que explicar por qué nos vamos a detener un instante en un momento de la serie.
Así como hay música de Baglietto (uno de los que lo catapultó a Fito) que en la bio es interpretado por su hijo, con un enorme parecido, nosotros nos quedamos con un fragmento en el que aparece una banda que podés escuchar en RadioGay y que tiene para nosotres un valor superlativo: Virus.
Virus fue la banda pop integrada por Federico Moura (voz), Julio Moura (guitarra), Marcelo Moura (voz), Mario Serra (batería), Enrique Mugetti (bajo), Ricardo Serra (guitarra) y Roberto Jacoby (letrista).
Virus editó su primer trabajo en 1981 y fue ganando adeptos con su estilo musical new wave, pero con toques del glam rock y un desparpajo que para aquellos tiempos significaba una osadía, una provocación.
En la serie, aparece un Virus casi textual haciendo uno de sus hits; “Amor descartable”, grabado en 1984, y el papel de Federico, líder de la banda por entonces, lo realiza el uruguayo Pablo Turturielo, con una caracterización asombrosa que conmueve a quienes conocimos a Federico Moura, un artista pleno y un activista defensor de nuestros derechos, que nos dejó en 1988, pero no nos abandonó, porque aún podemos seguir sintiéndolo.
Volviendo a Páez y su serie. Ya se han manifestado muchos de los que aparecen en la serie y seguramente vamos a coincidir con algunes y disentir con otres.
Develar lo que ocurre es entre mala onda e imposible, porque es una historia conocida, no ficcionada, y con tramos textuales de su historia.
Aquellos que hemos tenido proximidad con estos artistas, seguramente, vamos a coincidir (algo muy infrecuente) con lo que dijo Andrés Calamaro. No como queja ni reclamo, pero sí confirmamos lo que Andrés opinó; se divertían bastante más de lo que aparece en la bio, para la que han elegido un tono más bien sórdido y dramático. Asimismo, si te gusta la música, si te emociona la poesía y si querés ver con los enormes anteojos que te muestran los colores y la musicalidad de aquella época, tenés que verla y algo más, tenés que contarnos qué sensación te causó, coincidamos o no. El amor después del amor y después: tu opinión… no te hagas rogar.
Asistimos involuntariamente al espectáculo de los medios audiovisuales, y pasamos de ser pasivos espectadores en las décadas de 1980 y 1990 a ser actores obligados en una obra general que se llama «la sociedad mediada», y no terminamos de saber quién nos escribe el guión y cuando concluye el capítulo.
Por más que nos resistamos, somos atravesados por los mensajes, las imágenes y las historias fragmentadas de personajes que construyen sentido, aunque estén lejos de nuestro interés natural. En esta nota incluimos la réplica de la respuesta que publica y viraliza un artista y conductor (Jey Mammón) en la que hace un descargo de un supuesto delito. Cualquier juicio que abramos será tan inútil como innecesario e incompleto. Pero la tensión a la que somos expuestos es de tal magnitud que evitar pensarlo resulta imposible.
Jey Mammón hace un descargo de un supuesto delito.
Los parlantes y las tapas de diarios, los medios, sostenía Gramsci, no nos indican cómo debemos pensar sino sobre qué debemos pensar. Y Habermas, en su teoría de la acción comunicativa, advertía que los medios actúan como los intérpretes y luego ordenadores de las conductas sociales, y con una precisión quirúrgica, en la década de 1990 decía que los multimedios o los grupos editoriales eran «Partidos políticos inorgánicos», o sea, la elección mutua. Los medios eligen a públicos y esos públicos consagran lo que esos medios pronuncian.
Toda teoría hoy está en suspenso. Inclusive está en suspenso la ética de la verdad. Todo lo resuelve el consenso, pero ese consenso es gestionado desde la desproporción del poder real.
La sobreinformación nos proporciona una nueva y profunda angustia o nos arroja al acantilado del azar con un paracaídas pero sin la instrucción necesaria para abrirlo a tiempo.
La profusión en la circulación de comunicaciones nos confunde. Por momentos pensamos que podemos saberlo todo y en todo momento. La aceleración de las respuestas invalida la capacidad de la pregunta.
Estamos conviviendo con la desaparición de la duda, pero la saciedad de conocimiento se consigue consumiendo un menú indescifrable. No podemos saber si estamos engordando en saberes por lo nutritivo de lo que vemos, leemos y escuchamos, o acaso son puros anabólicos, o espejos deformantes
A riesgo de sonar anacrónico, lo que más sorprende es la centralidad de algunos acontecimientos por sobre otros. Y cómo desplazamos,ocultamos, postergamos, escondemos problemáticas directas,concretas,propias, para darle espacio mental y emocional a esas historias y noticias que nos inoculan con el potente y eficaz método de la reiteración.
Volviendo al sociólogo alemán de la Escuela de Frankfurt, Junger Habermas, rescatamos sus cuatro supuestos: inteligibilidad, verdad, rectitud y veracidad, base para validar el habla. Aunque suene trágico, la adulteración en el orden de esos supuestos, como la inestabilidad de sus significados, permite que lo verosímil subrogue a lo verdadero y lo entretenido ocupe el sitio de lo útil.
El discurso actual adquiere todos los atributos que debería tener la acción comunicativa (para bien y para mal), con la tremenda amenaza de que la verdad (la realidad desde la mirada aristotélica) se someta a la ficción, y no nos referimos a la ficción concebida artisticamente, literariamente, sino al reemplazo directo de los datos, de los hechos, de los acontecimientos.
Fiscales, jueces, verdugos y funerarios, todo junto y a la vez. Periodistas, conductores, locutores, panelistas, opinadores, editorialistas, columnistas, sustituyen cualquier proceso jurídico. Con que un rumor sindique a alguien como autor de un hecho delictivo, esa figura, dependiendo de la simpatía de la que goza, sin ser denunciado, imputado, procesado, indagado, pasa de la mera sospecha a la condena inapelable, muerte civil y entierro mediático.
Incapacitados. En demasiados casos, esto de condenar con fruición y sin piedad no le ocurre siquiera al victimario sino a la víctima, un mecanismo perverso que lamentablemente en nuestra sociedad y en nuestro país se impuso como moda muchas veces, el famoso y criminal «algo habrán hecho» en el genocidio.
La repetición de la escena es tan redundante que impide acaso la mera reflexión. La noción de justicia se desvanece frente al incentivo más primitivo, el que otorga la venganza. Tanto así que se suele utilizar el constructo «justicia por mano propia» en clara contradicción conceptual.
Las injurias, las calumnias, los señalamientos, las descalificaciones constantes, los insultos, los recortes intencionales y ahora las posibilidades que ofrece la Inteligencia Artificial, elabora una actualidad tan lábil que no es necesario sino imprescindible volver a dotar a la verdad, por más nimia, pequeña o insustancial que nos parezca dotarla de ética.
Dotar a la verdad de ética, un imperativo indispensable para que podamos comunicarnos, o sea, para que podamos vivir en comunidad.
Cada vez se torna más dificultoso saber qué es ficción y qué realidad. Y lo más complicado -pero también lo más divertido- es que hasta la historia con sus adulteraciones nos lleva a pensar que todo, lo de antes y lo de ahora, es un gran guión, corrijo, varios guiones, que nos confunden o entretienen, según vayamos eligiendo.
Si bien ahora hablar de fake news es corriente y nadie se asombra, otorgarle esta categoría a textos sagrados e inclusive a documentos de la ciencia (también santificada) resultaba imperdonable. Y es como que siempre el «saber» estuvo blindado sólo para unos pocos, y el resto, espectadores (no digo pasivos porque puede llevar a otra confusión).
En los inicios de los tiempos, dice el Génesis de la Biblia, Dios indica a Adán y a Eva que no coman el fruto del árbol del bien y del mal. Ese fruto, que es una metáfora del «conocimiento» terminó adquiriendo forma de manzana, pero sólo por una traducción inadecuada. Ojo, estamos hablando de mil setecientos años atrás cuando Jerónimo de Estridón convierte el texto del hebreo al latín, y lo peor, esto tampoco está confirmado como a la ciencia le gusta.
Así, la manzana resulta para la cultura occidental una especie de fetiche. Hay quienes sostienen que se eligió a esta fruta por la similitud que tiene con la forma de los glúteos y la tentación que esto causa, por qué no, pero luego fue utilizada también por la ciencia.
Pero toda historia es incompleta y a la vez, según quien la relate, tendrá aristas distintas.
Una que deberíamos recordar todes es la del genio de la física Isaac Newton. Durante siglos se dijo que había teorizado sobre la ley de la gravedad, gracias a que mientras reflexionaba bajo la sombra de un árbol, precipitó una manzana sobre su cabeza y ahí dijo el famoso «eureka», palabra griega que ya había pronunciado Arquímides unos dos mil años antes, cuando descubrió el principio hidrostático y salió a celebrarlo excitado sin darse cuenta que estaba desnudo. Eureka, recordemos, es una expresión griega que podría traducirse como «lo encontré, por fin».
La cuestión es que siempre hay alguien un poco más curioso y desconfiado que desarchiva documentos y averigua. Lo de Newton, eso de que gracias a la manzana, al parecer, fue una humorada con algo de sarcasmo para contarle a uno de sus biógrafos, William Stukeley, sobre su «genialidad», pero hubo otro biógrafo del brillante físico inglés que contó otros aspectos de su vida. Michael White (y algunas anécdotas confirmadas por Richard Westfall) nos cuenta la relación que Sir Isaac Newton mantenía con su colega suizo Nicolás Fatio de Duillier.
En aquella Inglaterra del Siglo XVIII, de haberse divulgado esta relación sentimental tan estrecha, más que una manzana en la cabeza, podría haberle cabido una pena tremenda, y ahí sí que iba a ser grave.
Sin dudas alguien dirá, hoy ¿qué relevancia puede tener que Newton haya sido uno de los nuestros?, la respuesta está en la propia pregunta. Nos hicieron creer que morder una manzana era el gran pecado, luego, que una manzana había revelado mágicamente la ley de gravedad, pero del amor verdadero, pocos hablan.
Por eso desde el arte, siempre es mejor ver y sentir la historia, porque nadie se compromete al rigor de la verdad, y nadie debería ocultar su amor ni su elección. El placer debe residir en ser y poder ser, después que la cuenten como quieran.
Si elegís RadioGay, no te vayas lejos, que vamos a seguir tirando fruta y hablando más sobre las prohibidas manzanas.
Flowers, todas las referencias que Miley dedica a Liam Hemsworth en su canción sobre el amor propio
La artista vuelve a convertirse en tendencia tras publicar ‘Flowers’, un nuevo single que habla sobre cómo quererse a una misma que está repleto de indirectas al que fue su marido durante más de diez años. Recogemos todas las referencias.
El 2023 comienza cargado de venganza y amor propio. Tras protagonizar Shakira una de las canciones más polémicas y virales del momento, llega Miley Cyrus y saca a la luz uno de sus temas más aplaudidos: Flowers. Un nuevo single que habla sobre el amor hacia una misma que, en menos de tres días, ha acumulado más de 30 millones de visualizaciones en Youtube y alrededor de casi 20 millones de reproducciones en Spotify.
Fue el pasado 1 de enero que la artista anunció a la sociedad que lanzaría la primera canción de su nuevo álbum, Endless Summer Vacation, el día 13. Fecha que rápidamente levantó el interés de sus seguidores al coincidir con el cumpleaños del que fue su marido durante más de diez años, el actorLiam Hemsworth. Una relación protagonizada por rumores de toxicidad que ha desembocado en la creación de un canto al amor propio. Un tema en cuyo adelanto pudimos conocer algunas frases como la de «I can love me better than you can» (Puedo quererme mejor de lo que me quieres tú).
Este pequeño avance despertó aún más la curiosidad de sus seguidores y desató todo tipo de teorías, o al menos hasta que llegó el esperado día y pudimos confirmar lo que todos esperaban: Miley ha cerrado un capítulo de su vida y la canción está repleta de guiños e indirectas a su ex pareja.
El título de la canción
Que su nuevo single se titule Flowerses una indirecta al elemento que más predominó el día de su ceremonia con el actor: las flores. Y aunque si bien podría ser una coincidencia, tras ver el resto de referencias que existen tanto en la letra como en el videoclip no hay duda de que está más que pensado.
«Lo nuestro era bueno, lo nuestro era oro»
Al inicio del videoclip, Miley aparece vestida completamente de dorado con un conjunto firmado por Yves Saint Laurent que data del año 1992 (año de su nacimiento) mientras canta la siguiente frase: «We were good, we were gold» (lo nuestro era bueno, lo nuestro era oro).
La decisión de apostar por dicha marca no es mera casualidad, sino que, durante los últimos años de su relación, se trataba de una de las marcas favoritas de la pareja. De hecho, tanto es así que su última aparición pública conjunta fue en el desfile que celebró la enseña en Malibú.
«Construimos una casa y la vimos arder»
Una de las indirectas más claras de la canción es la que hace referencia al incendio que vivieron en su casa de Malibú en 2018. Miley pasea por una casa muy similar a la que tenía con el actor mientras canta «Built a home and watched it burn», mostrando así como su relación se marchitaba a la par que el incendio destruía su hogar.
Guiño a una de las canciones preferidas de Liam Hemsworth
En alguna que otra ocasión, Hemsworth ha confirmado públicamente que una de sus canciones favoritas era When I Was Your Man, de Bruno Mars. La letra de la misma dice lo siguiente:
“Espero que te compre flores”.
“Espero que te sostenga la mano”.
“Darte todas sus horas…»
Y en ella, Miley vio la oportunidad perfecta para contestar con toda una declaración de intenciones que no ha pasado por desapercibida entre sus fans:
«Puedo comprarme flores”.
“Puedo sostener mi propia mano”.
“Hablar conmigo mismo durante horas…»
La vestimenta de Miley en el videoclip
Durante los últimos segundos del tema, Miley baila alrededor de toda la mansión luciendo un traje de chaqueta masculino que recuerda bastante al que lució el propio Liam Hemsworth durante la última Met Gala a la que asistieron juntos. ¿Casualidad? Seguro que no.
Aunque sin lugar a dudas la frase que mejor resume toda la canción es la que adelantó en sus redes sociales días antes de su lanzamiento, «puedo quererme mejor de lo que tu puedes». Un claro mensaje que muestra la verdadera importancia de quererse bien a uno mismo. Te dejamos la canción para que la disfrutes.
El cantante y multi instrumentista define su nuevo disco como un manifiesto. “Cualquier toma de posición política o de opinión implica que haya gente a la que no le va a gustar”.
Pedro Aznar acaba de lanzar el álbum doble El mundo no se hizo en dos días, que en sus 20 canciones es capaz de abarcar deL neobarroco a rap, pasando por el rock, el jazz, la balada y el reggaetón, y que para el artista funciona como “un manifiesto” estético y político a la vez que parte de la premisa de que “la única manera de gustarle a todo el mundo es estar muerto”.
“Creo que pretender gustarle a todo el mundo es una trampa, y yo decidí poner toda la carne al asador y hablar sobre todo lo que me ocupa y me preocupa y le digo a la gente que me escucha ‘yo pienso esto y creo que puedo aportar algo’”, postula Aznar.
Para el músico y compositor que fue parte de proyectos musicales de alto vuelo como Serú Girán y el Pat Metheny Group, el empuje para plasmar semejante obra lo encontró en el contexto de la pandemia, cuando desplegó una intensa actividad virtual que lo puso en fecunda comunicación con personas de buena parte del mundo que, sintió, le “extendieron una carta blanca”.
Y sobre esa complicidad, el artista decidió ir a fondo para construir al que define como su “disco más personal” y donde en una veintena de piezas decidió jugar fuerte y gustosamente.
El tema que da título al proyecto es un inesperado trap donde Aznar pone en evidencia su posición contraria al extractivismo, tal como lo hizo en un poético alegato en la audiencia pública sobre la explotación petrolífera frente a las costas de la provincia de Buenos Aires, instancia en la que volverá a testimoniar el lunes próximo.
“Cualquier toma de posición política o de opinión implica que haya gente a la que no le va a gustar. Pero la única manera de gustarle a todo el mundo es estar muerto”, sostiene Aznar.
Y sobre esa certeza y esa determinación también compuso y grabó la crítica “Corpoland” (sistema que define como “la tierra al servicio del dinero sangriento”), la pieza neobarroca “Salve” y el rockero “Aceitosaurio”.
El Mundo No Se Hizo En Dos Días, el nuevo material de Pedro Aznar
Pedro Aznar acaba de lanzar el álbum doble El mundo no se hizo en dos días, que en sus 20 canciones es capaz de abarcar deL neobarroco a rap, pasando por el rock, el jazz, la balada y el reggaetón, y que para el artista funciona como “un manifiesto” estético y político a la vez que parte de la premisa de que “la única manera de gustarle a todo el mundo es estar muerto”. “Creo que pretender gustarle a todo el mundo es una trampa, y yo decidí poner toda la carne al asador y hablar sobre todo lo que me ocupa y me preocupa y le digo a la gente que me escucha ‘yo pienso esto y creo que puedo aportar algo’”, postula Aznar.
Para el músico y compositor que fue parte de proyectos musicales de alto vuelo como Serú Girán y el Pat Metheny Group, el empuje para plasmar semejante obra lo encontró en el contexto de la pandemia, cuando desplegó una intensa actividad virtual que lo puso en fecunda comunicación con personas de buena parte del mundo que, sintió, le “extendieron una carta blanca”. Y sobre esa complicidad, el artista decidió ir a fondo para construir al que define como su “disco más personal” y donde en una veintena de piezas decidió jugar fuerte y gustosamente. El tema que da título al proyecto es un inesperado trap donde Aznar pone en evidencia su posición contraria al extractivismo, tal como lo hizo en un poético alegato en la audiencia pública sobre la explotación petrolífera frente a las costas de la provincia de Buenos Aires, instancia en la que volverá a testimoniar el lunes próximo.
“Cualquier toma de posición política o de opinión implica que haya gente a la que no le va a gustar. Pero la única manera de gustarle a todo el mundo es estar muerto”, sostiene Aznar. Y sobre esa certeza y esa determinación también compuso y grabó la crítica “Corpoland” (sistema que define como “la tierra al servicio del dinero sangriento”), la pieza neobarroca “Salve” y el rockero “Aceitosaurio”. El material, repartido en un par de volúmenes a los que llamó “Día 1″ y “Día 2″, depara más sorpresas, como el reggaetón “Yo no voy a cantarle a tu culo” (“Yo no voy a cantarle a tu culo/si lo tienes raso o con rulos/porque soy un hombre de principios/yo te cepillo y no lo publico/Con algo de elegancia es más rico/tomar de la copa o del pico”), el encantador vals “Un simple abrazo”, con texto de Víctor Heredia, y la polonesa “Polonaise”. Otros títulos propios allí reunidos son “Dejando la tormenta atrás”, “Mientras”, “En espejo”, “Canción de otoño”, “Tu corazón”, “En el aire del mar”, “Tu madre fue una perra”, “Duermevela”, “1918 revisitado”, “Pilgrimage”, “Diamante” y “September blues”, al que se añade un solo cover, la versión en español de la balada “Todo de mí”, del norteamericano John Legend.
Además de una rica trayectoria artística como solista, Pedro Aznar integró Madre Atómica, Serú Giran y el Pat Metheny Group (Foto: Télam S. E.) La obra, variopinta y conceptual a la vez, fue grabada entre octubre de 2018 y noviembre de 2022 en los estudios personales de Aznar en Buenos Aires y en Mar de las Pampas, y en los estudios porteños Romaphonic, Woman y Nómade Mix junto al ingeniero Ariel Lavigna, mientras que la masterización estuvo a cargo de Adam Ayan en Gateway Mastering, Portland, Maine. Y en ella toma parte la banda estable del creador (Julián Semprini en batería, Alejandro Oliva en percusión, Matías Martino en teclados y Sebastián Henríquez en guitarras), y un notable elenco invitado con Federico Arreseygor en órgano, Juan Cruz de Urquiza en trompeta, Pablo Moser en saxo tenor y una orquesta de cuerdas de 23 integrantes. Justamente en los estudios Romaphonic del barrio porteño de Monte Castro, Aznar compartió un encuentro y una seleccionada escucha de “El mundo no se hizo en dos días” con periodistas de cuatro medios nacionales. El músico, de 63 años, explica que la determinación de proponer una paleta estilística tan amplia “tuvo que ver con varias cuestiones”: “Por un lado mis discos suelen ser variados, por el otro que al tener un disco doble tuve más carriles y, además, sentir que la gente con la que entablé un lazo tan fuerte durante la pandemia a partir de recitales y otros encuentros virtuales me daba ese cheque en blanco para poder hacerlo”.
«El mundo no se hizo en dos días» fue grabado entre octubre de 2018 y noviembre de 2022, en los estudios de Aznar en Buenos Aires y Mar de las Pampas Y poniendo el foco en una variedad que lo llevó a asumir géneros que no formaban parte de su universo sonoro, asume con naturalidad que sintió “que no había problema y que en todo caso cualquier música la podés abordar desde un lugar de respeto, de dedicación y de buena intención”. Pero, además, para Aznar este nuevo paso dialoga en tiempo presente con su tránsito solista: Salvo ‘Flor y Raíz’ (2021) que fue un proyecto especial folclórico, ‘El mundo no se hizo en dos días’ está en la misma gama de mis discos de estudio desde ‘Quebrado’ (2008), pasando por ‘Ahora’ (2012) y ‘Contraluz’ (2016)”. “Este disco – insiste- tiene muchas cosas que son de este momento, de esta época, de estos timbres, pero como trabajo de autor está hermanado, no se queda huérfano”. Consultado acerca de la decisión de abrir con una expresión de freestyle, indica: “Partió de la idea de lo que quería comunicar pero lo hice rapeando a toda velocidad, lo que escribí primero un poco así como flujo de conciencia estirando las ideas, una atrás de la otra y que la rima me fuera llevando y se fuera enganchando sola”. Al respecto añade que “ponerlo como el primer track fue porque me pareció que es un poco el tema distinto del resto en muchos sentidos y, al mismo tiempo, un poco el tema manifiesto y decir ‘ciudadanos de la comarca, aquí tenéis lo que pienso’”. “Este disco tiene muchas cosas que son de este momento, de esta época», afirma Aznar.
“Esto es lo que estoy pensando, esto es lo que me preocupa por estos días y me gustaba – se explaya- que fuera como al principio como para marcar ‘bueno, arranquemos así nos entendemos, y ahora vamos a jugar, vamos a divertirnos, vamos a bailar, vamos todos a rockearla’ y por eso me parecía importante que estuviera en un lugar de privilegio”. Y enseguida acerca del estilo musical utilizado para esa proclama, subraya que “el freestyle a mí me encanta y me entusiasma mucho porque es un resurgimiento de la poesía puesto en funcionamiento también con un concepto de improvisación y yo amo la improvisación por mi lado jazzístico, a la poesía por mi lado poeta y soy músico de rock, entonces en ese baile yo me siento en casa”. Aunque por su tamaño y diversidad El mundo no se hizo en dos días, aparece como una obra compleja de trasladar al escenario, su hacedor advierte que “va a dar mucho trabajo de ensayo y preparación pero resiste el vivo y va a ser súper divertido hacerlo”. Así que tras una vacaciones “que de verdad necesito”, según confiesa, Aznar anticipa: “A partir de la segunda quincena de enero vamos a hacer algunos festivales y shows así de verano y en marzo arrancamos con todo como para presentar el disco entre abril y mayo con sus 20 canciones y seis bombas atómicas para los bises”.
Conocida como Robie hasta ahora, la joven promesa cambia la denominación de su proyecto musical a Roberta Nikita, su nombre original.
La artista, conocida hasta hace muy poco como Robie, lleva 3 años subiendo temas originales y covers a su canal de YouTube.
La conocimos tras su colaboración en el EP Hielo de Israel B con “Nasty”, después se convirtió en la Britney Spears española en Búscame y hace poco lanzó su nuevo EP 1LOV3 (One Love). A través de cuatro videoclips a modo de cortometraje y con estética de videojuego trata el desamor y la introspección en el EP. Ella ya lo tiene todo para triunfar como estrella del nuevo pop.
La cantante sueca y española ha decidido dar un paso más allá para su álbum llamado DEBUT 3000 y cambió su nombre artístico por su nombre real Roberta Nikita. Una muestra de transformación y evolución que ya se ha empezado a notar en su último EP. La joven promesa dejó de lado el pop urbano para centrarse en nuevos sonidos que rompen todos los esquemas.
“Mi nombre real es Roberta Nikita y después de unos años en la industria casi se me olvida. Estreno nombre y estreno vida porque me transformo y evoluciono todos los días.”
La cantante y compositora escocesa Annie Lennox celebró en su cuenta de Instagram el aniversario de la canción escribiendo junto a fragmentos del video musical: «Es casi imposible creer que Sweet Dreams (Are Made Of This), se publicara hace cuarenta años. Desde entonces ha seguido recorriendo el mundo y los siete mares, ¡lo cual es una historia maravillosa y milagrosa por sí sola!».
Y continúa: «Las canciones son como los barcos… tienen sus propios viajes y destinos particulares… Una vez botadas, no hay vuelta atrás. Sólo hay que seguir el viaje».
Sweet Dreams (Are Made Of This) alcanzó el primer puesto del Billboard Hot 100 y el segundo en la lista de singles del Reino Unido. En otros países, como Francia, alcanzó el número uno.
Dave Stewart, compañero de banda de Lennox en Inglaterra y productor de su música, también reflexionó sobre el histórico cumpleaños con un post en Instagram.
La banda británica de rock lanzó su nuevo tema inédito interpretado por Freddie Mercury
Nos habíamos olvidado de esta pista, pero ahí estaba, esta pequeña joya. Es maravilloso, un auténtico descubrimiento. Es una pieza muy pasional, afirmó Roger Taylor, baterista de la banda.
La banda británica de rock Queen, lanzó su nuevo tema inédito titulado Face It Alone, interpretado por el fallecido vocalista Freddie Mercury, tema que se grabó a finales de los 80 durante las grabaciones del álbum The Miracle y que nunca se dio a conocer.
La existencia de la pista fue revelada por primera vez por Brian May y Roger Taylor en una entrevista de radio de la BBC en su aparición en el concierto Royal Jubilee de este año, en el que interpretaron la apertura con su cantante habitual Adam Lambert.
La llegada de la canción como sencillo lleva al lanzamiento el 18 de noviembre de una nueva revisión del 13.º álbum de la banda, The Miracle, el penúltimo de la banda en ser lanzado en vida de Freddie Mercury, que ahora está disponible en una lujosa edición de 8 discos de Queen The Miracle Collector’s ediciónen formato box set.
Face It Alone se grabó originalmente durante las históricas sesiones de 1988 de la banda para ese álbum, un período prolífico en el que la banda grabó alrededor de 30 pistas, muchas de las cuales nunca se lanzaron, pero permanecieron entre las que no llegaron al álbum final. Fue redescubierto cuando el equipo de producción y archivo de la banda regresó a esas sesiones para trabajar en la reedición del box set de The Miracle.
Su trabajo más esperado tras más de seis años de ausencia
Renaissance (también titulado como Act I: Renaissance) es el séptimo álbum de estudio de la cantante estadounidense, lanzado el 29 de julio de 2022. Es su primer lanzamiento de estudio en solitario desde Lemonade (2016) y sirve como primera entrega de un proyecto de trilogía. Beyoncé concibió el álbum para reflejar su estado de ánimo durante la pandemia del COVID-19, escribiéndolo y produciéndolo con Nova Wav, The-Dream, Symbolyc One, A. G. Cook, Honey Dijon, Beam, Tricky Stewart, BloodPop, Skrillex, Hit-Boy, No I.D., P2J y varios más. Beam, Grace Jones y Tems aparecen como vocalistas invitados.
El single principal Break My Soul fue lanzado el 20 de junio de 2022, y alcanzó el top 10 de las listas de singles en ocho países, alcanzando el número 1 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Renaissance es un álbum de música dance, pop y R&B con influencias de los estilos disco y house, cuya temática se caracteriza por el hedonismo, el sexo y la autoestima. Recibió elogios generalizados de la crítica musical por su sonido cohesivo, ecléctico y su humor alegre.
El álbum incluye 16 reversiones de sus mejores hits, en colaboración con artistas como britney spears, justin timerblake y maluma.
Se realizaron cuatro remezclas en un intento de presentar la música del creador de Faith a un público totalmente nuevo
El icónico álbum de George Michael, Older, será relanzado por Sony Music y George Michael Entertainment, e incluirá la canción homónima recientemente masterizada a partir de cintas originales, para una calidad de audio superior con ilustraciones ampliadas.
El equipo de la difunta leyenda de la música se unió a Amazon Music y a colaboradores como LF System, Emily Nash, Kiimi y Absolute para hacer las cuatro remezclas en un intento de presentar la música del creador de Faith a un “público totalmente nuevo”.
Escrito y producido por el cantante y compositor británico, Older (1996) lo vio explorando nueva música, mientras reflexionaba sobre la vida, la pérdida y el dolor, aunque con el poder redentor del amor triunfando sobre todo.
Descrito como una “obra maestra”, el disco produjo seis singles top 3 en el Reino Unido y alcanzó el pináculo del éxito en las listas, donde permaneció durante tres semanas consecutivas, pasando 35 semanas en el top 10 en general.
La reedición recién remasterizada ya está recibiendo elogios de la crítica. Según dicen los que saben, después de 26 años, “Older aún no ha envejecido”.
El dúo de productores escoceses formado por Conor Larkman y Sean Finnigan, dijo: “Fue un honor que nos pidieran que remezcláramos a George Michael, alguien que ha sido tan influyente en todos los ámbitos de la música. Fusionó el baile y el pop sin esfuerzo y queríamos hacerle justicia con nuestra remezcla.El talento de George Michael es evidente a través de su música, pero sus habilidades de muestreo son insuperables. Era capaz de samplear creativamente numerosas canciones para crear algo nuevo. Es algo que realmente admiramos y que ha influido en nuestra forma de hacer música. George Michael aportó mucha positividad a mucha gente y esperamos que esta remezcla muestre aunque sea un poco de eso”.
Publicado el 13 de mayo de 1996, Older generó seis singles que ocuparon los tres primeros puestos en el Reino Unido.
George, quien murió a los 50 años en diciembre de 2016, había dicho sobre el LP profundamente personal: “Creo que escribí la mejor y más sanadora pieza musical que he escrito en mi vida”.
El álbum incluye 16 reversiones de sus mejores hits, en colaboración con artistas como britney spears, justin timerblake y maluma.
